¿Qué tienen en común las nueve nominadas a mejor película en los Premios Oscar 2020? Todas ofrecen tramas y planteos que interpelan a la sociedad. A través de la recreación histórica, o del retrato del presente, dialogan con los grandes problemas de estos tiempos: explotación, desigualdad de género, guerras, discriminación y ambiciones financieras a escala global.

Parasite expone las diferencias de clase en Seúl. El irlandés pone su ojo crítico en el mundo de las mafias y del poder sindical en los Estados Unidos. 1917 refleja el delirio recurrente de todas las guerras. Jojo Rabbit se ríe de la banalidad nazi y cuestiona la xenofobia. Mujercitas e Historia de un matrimonio exponen cómo lidian las mujeres con la desigualdad de género y por qué son las grandes impulsoras del cambio mundial.

Había una vez… en Hollywood es una irreverente declaración de amor por el cine como fábrica de sueños. Contra lo imposible pondera el peso de la confianza y la amistad frente a los intereses corporativos. Y Joker expone a los psicópatas armados que genera una sociedad paranoica, librada al individualismo. ¿Qué sucede cuando se quiebra el bienestar social y se borran los parámetros del bien y del mal?

Claro que estas son interpretaciones y existen tantas como espectadores. Pero algo es cierto: las nueve películas de los Oscars brindan una mirada nada complaciente del mundo actual y, sobre todo, valorizan el poder transformador del cine. Aquí, las claves de las nominadas.

Mirada antibelicista y burla a la mentalidad nazi

1917, de Sam Mendes, está construida a partir de un plano secuencia aparente para dar el efecto de que se está allí, con los protagonistas, sin descanso ni respiro. Pero ese truco no opaca el gran mensaje: el terror y el sinsentido de toda guerra.

En este caso es la Primera Guerra Mundial y la trama es contundente: George MacKay y Dean-Charles Chapman son dos soldados británicos, Schofield y Blake, que en una trinchera en tierra francesa reciben una orden. Entregar un mensaje en mano al líder del 2º Batallón del Regimiento de Devonshire para que cancele el ataque planificado contra las fuerzas alemanas porque es una trampa: los quieren emboscar y 1600 hombres británicos morirán.

El hermano de Blake está entre ellos. Los dos protagonistas correrán hacia adelante entre cráteres dejados por las bombas, peligros de tiros y otros que no vale revelar, para ver si pueden avisarle al capitán. ¿Por qué es una lección antibélica? Basta ver las caras de Schofield y Blake entre el pavor y el desasosiego, corriendo maquinalmente de trinchera en trinchera. La certeza de que la misión de 1917 es producto de un error de cálculo ajeno y que los de abajo pagan las consecuencias por los delirios de los de arriba convierten al filme en un rechazo permanente a las guerras.

Jojo Rabbit, del neozelandés Taika Waititi, es otra muestra de cómo sobrellevar el sinsentido bélico pero no desde el frente. Waititi eligió reírse de la locura de los nazis desde el punto de vista de un nene de diez años, Johannes “Jojo” Betzler (Roman Griffin Davis), que integra las Juventudes Hitlerianas, tiene un amigo imaginario llamado Adolf Hitler y creyó todos los disparates xenófobos que inventaron los nazis para justificar sus ataques contra los judíos y contra toda la Humanidad.

Pero el chico, un día, va a sentir empatía por los demás y su uniforme lo va a incomodar. Sus verdaderos amigos no estarán en su cabeza diciéndole qué hacer. Habrá otras personas que conocer, incluso demasiado cerca, para sentir el dolor de verdad. Un alegato antinazi que, más allá de la superficie, termina siendo conmovedor.

Crítica social y al sistema político-económico

Parasite es un prodigio de cine en múltiples niveles. Muestra a los Kim, una familia pobre de Seúl, que elabora un plan oscuro y disparatado para lograr conseguir trabajo en la lujosa casa de una familia de clase alta, los Park.

Primero, el hijo adolescente se hace pasar por un tutor de la hija rica. Luego recomienda a su hermana (con un nombre falso) para el niño pequeño de los Park. Más tarde hacen echar al chofer de los millonarios para que lo reemplace su padre, con un nombre inventado. Lo mismo ocurre con el ama de llaves: les hacen creer a sus empleadores que tiene tuberculosis y quien termina obteniendo el puesto es la madre de los Kim.

Toda la familia impostora ingresa, en forma parasitaria, en la casa de los Park. Nada va a salir como se espera, desde ya. Aunque la colisión entre clases esquivará lo predecible: ni los ricos son vistos como simples explotadores ni los pobres son mostrados desde la lástima. La película desnuda cómo la exclusión está ligada con su extremo opuesto. El mismo orden económico que condena a unos pone en el pedestal a otros. Pero hay que poder verse en los ojos del otro en vez de engañarse o dejarse engañar.

El irlandés, de Scorsese, también ejerce la crítica a nivel político y económico. Es una radiografía de cómo se entraman las vidas de gángsters, sindicalistas, inversores y líderes políticos en el seno del sistema estadounidense. Robert de Niro es el “irlandés” Frank Sheeran, que asciende en la pirámide mafiosa y termina como guardaespaldas, amigo y futuro colega del inefable líder sindical Jimmy Hoffa, a cargo de Al Pacino.

La historia es sabida.El cuerpo de Hoffa nunca fue encontrado y existe una teoría que dice que Sheeran fue el perpetrador del crimen. En ella se basó Scorsese para la película. Sea o no verdad, esto deja ver qué ocurre cuando el poder real de Norteamérica le baja el pulgar a un gremialista funcional, pero molesto.

Esta traición que busca reflejar Scorsese es a la vez un análisis acerca de cómo la idea del Sueño Americano atentó contra sí misma en la época sin valores de Richard Nixon. ¿Un tiro por elevación al desenfreno de Donald Trump? Los espectadores tendrán su propia lectura.

Contra el machismo y la subestimación de las mujeres

Historia de un matrimonio, de Noah Baumbach, y Mujercitas, de su pareja Greta Gerwig, reflejan el esfuerzo del género femenino por exponer sus razones y talentos sin condicionantes machistas.

La primera narra cómo se desvanece una historia de amor por el egoísmo masculino y por el recelo acerca de cómo y dónde criar a un hijo. Mujercitas es una relectura innovadora de la novela de Louisa May Alcott, en sintonía feminista, en plena Guerra de Secesión.

En el film de Baumbach, Scarlett Johansson y Adam Driver son (están por dejar de ser) una pareja de artistas en New York. Ella, Nicole, debió resignar su carrera en TV, en Los Ángeles, para acompañar a su marido, Charlie, un director de teatro narcisista e inseguro que aprovechó el renombre de ella para apuntalar sus obras del off-Broadway. “Siempre estuve en función de Charlie. Nunca me vio realmente como soy”, piensa Nicole, antes de pedir que vuelvan a vivir en California y que críen a su hijo allí, cerca de la playa, y no en la furia de Manhattan.

Pero Charlie no lo va a contemplar. Como si fuera poco, la engañó con más de una actriz, pero encontró justificaciones en su inseguridad emocional y laboral. Por eso mismo demandará que se queden en New York: porque ahora le está yendo mejor. Este conflicto matrimonial se volverá legal, por la tenencia y la crianza de su hijo, y tendrá diálogos y conflictos desgarradores.

Allí entrará en escena la abogada Nora Fanshaw, brillante y voraz, que compone Laura Dern. Un monólogo de ella es ya legendario: “Las mujeres siempre son juzgadas más duramente que los hombres cuando reclaman la tenencia de su hijo. En la Biblia, la Madre de Jesús debió ser virgen e impoluta, mientras que el Padre miraba la tragedia desde el Cielo y ella sufría. El suyo no era un rol presente”.

Sin bajadas de línea, Mujercitas, de Gerwig, tiene mucho en común con Historia de un matrimonio. Es un profundo retrato del empoderamiento de cuatro hermanas mientras su padre está en la guerra. Sobre todo de dos de ellas. Jo March, la futura escritora (encarnada por Saoirse Ronan), y Amy March, a cargo de Florence Pugh, que deja de ser la mala y frívola del relato para ser más comprensiva con las elecciones de sus hermanas y con el dolor de su propia madre, Marmee. ¿Quién la interpreta? Laura Dern.

Celebración de la épica del cine y de la camaradería

Había una vez… en Hollywood, de Quentin Tarantino, es una declaración de amor al cine, esa maquinaria estética e industrial que hace parecer todo posible: que el mundo, y su violencia desenfrenada, parezcan solo un material de ficción. El filme transcurre en Hollywood en 1969: el actor Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) se hizo famoso por una serie de vaqueros, pero teme que su carrera esté por finalizar. ¿La solución? Le sugieren que haga spaghetti westerns, pero Dalton siente que eso le hará bajar su prestigio.

A su lado está su doble de riesgo, chofer y amigo: Cliff Booth (Brad Pitt), un veterano de guerra que vive en un remolque y que no consigue trabajos nuevos por un delito que no vale revelar. En paralelo aparecerá Sharon Tate(Margot Robbie), la rubia y joven esposa de Roman Polanski: ambos se mudan a la casa vecina de Dalton en Beverly Hills.

La mezcla de géneros cinematográficos (drama, melodrama, comedia, policial, terror) y de sucesos reales e imaginados les sirven a Tarantino para mostrar cómo el sueño hippie del fin de los ’60 se quebró con los asesinatos perpetrados por el clan Manson.

Tarantino hace ver a un grupo de chicos y chicas que viven en comunidad como a unos villanos roñosos enloquecidos. Es un planteo conservador ya gastado, sí, pero que el director emplea para celebrar la época de oro del cine (la de los ’40 y ’50) y para reforzar el lazo entre dos héroes de las pantallas en declive: Dalton y Booth.

Contra lo imposible (Ford v Ferrari), de James Mangold, se conecta con Había una vez en Hollywood en su defensa de la camaradería de dos colegas y amigos: los corredores de autos encarnados por Matt Damon y por Christian Bale, en medio del proyecto de la compañía Ford de fabricar un auto que pueda superar al de Ferrari en la carrera de resistencia “Las 24 Horas de Le Mans”, de 1966. Una épica yanqui entre aceite y líquidos de freno.

Damon hace de Carroll Shelby, que ganó Le Mans en 1959, pero tuvo un episodio cardíaco y no pudo competir más y ahora fabrica autos. Bale es el piloto británico Ken Miles, difícil y tierno a la vez, que accede a conducir el nuevo modelo de Ford en Le Mans.

Contra lo imposible muestra cómo dos colegas, por la confianza en sus habilidades y en su persistencia, pueden ser mejores que la burocracia y las ambiciones de las mega-corporaciones que utilizan a sus piezas humanas como a engranajes. ¿Un tiro por elevación a los jerarcas industriales que dominan en la Norteamérica actual? Los espectadores, una vez más, tendrán la última palabra.

Fuente: TN, por Patricio Féminis.

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